1.选相机

目的：高感好，画质好

关键词：【光线不足】【瞬间性】【噪点】

你是知道的，舞台上经常是光线不足的（除非是传统京剧），所以我们需要提高感光度（增强进光量）来缩短快门时间去凝固舞蹈动作的瞬间性，此时我们需要更高的感光度，经验告诉我，我经常把感光度提高设置在2000左右，相应的是在我们提高感光度的同时噪点也会随之出现，这时我们需要一台高感好的单反相机，与此同时舞台上光线变化多端，如果有一台所看即所得的相机出现，那对你来说是个不错的选择，

建议：感光度设置在2000——3200时，噪点的出现是在你的接受范围之内，那么这部相机就是一部不错的相机

2.选镜头

目的：掌握更多的主动权（景别）

关键词：【舞台底线】【变焦镜头】

大光圈变焦镜头，就像上面我们提到的那样，舞台上经常是光线不足的，同时你在摄影时是不可以站立和来回走动的，尽可能选择大光圈变焦镜头可以给你更多的施展空间，经验告诉我，摄影席的位置距舞台中区的距离决定着选择什么焦段的变焦镜头更为有利 ，舞者活动的范围在中区居多（除非特殊情况），参照是舞者在舞台中区表演时我们用长焦端拍下的舞者依然能分清舞者的五官而选择，舞者站在后去溢出了取景器为参照，舞台底线7m左右选择24mm——70mm镜头，舞台底线15m左右选择70mm——200mm镜头，舞台底线25m左右选择100mm——300mm镜头，

推荐：两只一起上，70mm——200mm拍摄演出为主，24mm——70mm拍摄花絮为主

3.选位置

目的：获取理想的视域

关键词：【舞台底线】【膝盖】

首先用取景器观察，尽可能把舞台平面安放在舞者膝盖以下到脚面以上的中间位置而坐，因为舞台平面在构图时会平分舞者的身体以及和画框的关系舞真摄，如果选的位置具地面过高1.舞台平面就会平分舞者的身体造成比例呆板再者如果舞台平面超过舞者腰部之上舞者的身体比例上，多少情况下这样会显得地面很脏（俯拍），但是可以做为你的第二视角进行复拍

建议：第一排中间（首席摄影师），再者就是，能同时看到上下场门，没有遮挡能获取良好视线的位置

剧场图片来源于网络

4.设参数

目的：获取理想的曝光

关键词：【RAW】【高感光】【大光圈】【白平衡】【点测光】

（快门不低于320，光圈最大（舞台一般比较暗，所以求最大进光量，iso一般平衡在2000左右）点测光看曝光卡尺，尽可能用raw（舞台光线变化极快，raw格式可以后期弥补一定限度的曝光过度和曝光不足，定点光，舞台灯光会造成局部强烈的照度，舞台的后区仍然是光线不足，因而造成明显的画面反差，所有明暗对比强烈的舞台适合用点测光。

建议：左右，快门最好不低于慢动作（60-125）快动作（250——500）

自动白平衡（AWB）

”佳能机器“

“索尼机器“

5.用边框

目的：对舞蹈空间深远与静谧的表达

关键词：【动势】【宁竖勿横】

取决于舞者动作的动势和你对动势的利用，动势的延伸与阻断，（横竖构图与边框比例）拍单人时（宁竖勿横）拍群舞群舞时（宁横勿竖）大于等于两个演员就适合用横构图，除非是托举动作你用竖构图

建议：宁竖勿横

6.选角度

目的：表现肢体的展现程度

关键词：【舞台底线】【仰视】【俯视】【平视】

决定角度的变化有三个因素（距离、高度、方向），而此时你坐在观众席在演出时大部分情况下是不可走动的（有些彩排摄影师可以走动），所以，我们只能改变两个因素，那就是距离（变焦）和高度（直腰和弯腰或趴下），其实这已经够了，完全可以发挥你对舞蹈艺术的认识，

建议：尽可能把舞台底线安排在舞者膝盖以下的位置进行拍摄

7.用景别

目的：表现肢体的张力和呈现舞蹈的意境

关键词：【宁全勿缺】【敢特写】【敢留白】

首先我们脑子里要知道景别大致分为几种情况（远景、全景、中景、近景、特写），再者我们要知道不同的景别能给你怎样的感受，就好比如说，全景和近景最直观的区别是什么，

（1）舞者大小的区别，大小引申出来画面的张力，（2）环境对人物烘托的不一，你可以用环境来烘托你的舞者，同样你也可以用近景让舞者自身来表达身体的张力，

建议：宁全勿缺（舞姿），宁大勿小（初学者），宁少勿多（演员人数）

8.抓动作

目的：凝固舞蹈动作的瞬间美

关键词：【快门速度】【预见性】【快门滞后性】

我们也许听说过“决定性瞬间”，通常意义上来说舞蹈摄影中也有相对的“决定性瞬间”就是对相对于传统舞蹈的理解，不同舞种长期积淀下来的经典舞姿，比如我们熟知的芭蕾舞、中国古典舞、新疆舞、蒙古舞等等，相对去前者20世纪流行起来的现代舞，就没用明确的舞姿和标准动作，此时的拍摄就是仁者见仁智者见智啦，

建议：通过动作的动势来预见动作的走向，就好比芭蕾舞里的标准动作动势走向

9.造动感

目的：表现舞蹈动作的运动过程和梦幻的效果

关键词：【慢快门】【三脚架】

也许你会看到有些舞蹈摄影拍出照片非常梦幻，其实拍出那样的效果并不难，难道是应该什么时候选择使用那样的效果来丰富你的画面，平常我会选择舞台上有一静一动时运用慢门拍摄，还有一种迫不得已的情况，那就是舞台上极暗而且还有大量的动作，为了保证画面没有过多的噪点我会选择相对的感光度和慢门来满足拍摄，还有的是舞蹈本事给你带来某种未知的、恐惧的、压抑的、无限感的、我也会选择慢门。

建议：快门速度设置在1`左右

10.斜相机

目的：放大舞者的失重感和增强画面的感染力

关键词：【重心】【底线与边框】

接下来可是独家核心内容啊，就是倾斜相机来完成拍摄，在现实中我们都知道切记画面中的垂直线一定要是垂直的地平线和海平面一点要是水平的，那样做没错很好，同样基于以上你有理解过为什么大多数要垂直和平行者拍摄呢，在我理解就是垂直与平行的相对于，于什么呢舞真摄，基于我们所生活的周遭，都是基于平行和垂直的建造，所以我们在审美我们生活的周遭时平行和垂直的画面就容易被我们所理解。当然了，如果我们把我们在现实生活中悟到的经验带到舞台舞蹈摄影中来拍摄行不行呢，答案是一定的，但是它有一定的局限性，什么局限性呢？那就是我们是怎么理解舞蹈这门艺术的，舞蹈的显著特征，舞蹈区别于现实中的其它拍摄题材，长话短说，舞蹈和现实中走路的区别，最关键的核心是重心的不同，重要的事情说三遍重心、重心、重心，因为重心的多样性决定了舞蹈和现实中其它拍摄题材不同（一家之言）。舞者在改变重心时有跳、滚、扑、退、进、翻、拧、转等等，每个重心都各有不同，那么这是作为舞蹈摄影的我们为什么非要遵守在拍摄现实题材给我们的规定呢，这时候就不妨通过来改变相机重心来完成对舞蹈重心的认识与表现。

建议：【中庭线】舞者的中庭垂直边框为基准尝试倾斜图画，也许更适合

闲言碎语

禁止开闪光灯禁止来回走动拍摄（勿趴在台前）禁止用显示屏取景（亮度影响观众）请勿在没有遮挡的情况下看回放（如果想看，请放在腹部）如果可以请使用静音快门请遮挡导入照片提示灯关闭对焦提示音关闭对焦辅助灯关闭连拍模式（高速连拍）尽可能穿深色无图案的衣服最好用三脚架（减少摄影师动作幅度影响观众）

以上舞蹈摄影图片均有本人独家拍摄

个人一些陋见，请有识之士多多建议